石雕作品進入展場後，經常以穩定、完整而近乎永恆的姿態出現。石材被切割、鑿刻與拋光，製作過程中的噪音、粉塵、工具耗損與身體負荷，則大多被留在工作室裡，從最終造形中隱去。林冠君在個展《推石—尋找薛西佛斯》中，試圖將這些通常不被看見的部分重新帶回作品。他不再將研磨視為完成造形之前的技術程序，而是把它轉化為創作的主要內容，工具如何在摩擦中改變形狀，石材如何留下切削軌跡，粉塵如何沉積，身體又如何在重複動作中調整力量與節奏。石雕不只是關於「雕出什麼」，也是一場發生在身體、工具與物質之間，持續而漫長的協商。

從造形退回製作現場
林冠君與石材的接觸，始於國立臺灣藝術大學雕塑學系就讀期間。在金屬、木材、泥塑、翻模與石雕等媒材訓練中，他逐漸被石材的觸感、結晶紋理，以及鐵鎚擊打鑿刀時傳回身體的力量吸引。早期作品多以自然、生物及動物造形為題，延續學院對寫實能力與具象造形的訓練。這些作品具有明確的形象與敘事，卻也使他逐漸意識到，自己真正關注的未必是故事本身，而是雕刻行為如何發生。大學期間，指導教授王國憲曾告訴仍在尋找創作方向的他，迷惘並不需要立刻被解決，可以先持續製作，再從已完成的作品中辨認自己的問題。這樣的工作方式，成為林冠君此後創作發展的重要基礎：不是先確立完整論述，再尋找形式加以證明，而是在反覆操作材料的過程中，讓問題逐漸浮現。研究所畢業後，由於失去學校的大型石雕設備與工作空間，他的創作一度停滯。受限於居住環境，他只能在家中設置小型砂盆，以手鑿進行低噪音的雕刻。當機具、空間與製作尺度都被壓縮，他開始重新追問：除去完整造形與敘事包裝之後，石雕對自己而言究竟是什麼？答案逐漸指向石雕最基本的構成關係——身體施力、工具運動，以及材質在作用力下產生的變化。

工具也在作品中被雕刻
《推石—尋找薛西佛斯》中的石材，大多保留著切割、劈裂與鑽孔所留下的痕跡。林冠君並未將表面全面拋光，而是在石塊上保留銳利邊線、粗糙晶體與不規則斷面，使石材仍帶有接近原料狀態的質感。與石材並置的，是工業生產的金屬研磨棒及俗稱「青棒」的研磨材料。這些帶有規格、編號與固定尺寸的標準化工具，原本被用來改變其他物件的表面，本身卻很少成為觀看的對象。林冠君反轉了工具與作品之間的關係。他反覆磨削使研磨棒在摩擦中逐漸變形，直到其凹槽能夠貼合石材的邊角，卡合於特定位置。此時，被雕刻的不只是石頭，工具也在使用過程中被消耗、切削與重新塑形。作品不是由單一材質構成，而是兩種物質在相互磨耗後形成的暫時平衡。億萬年生成的天然石材，與大量生產、可被替換的工業耗材，在此建立起不對等卻彼此依存的關係。這樣的卡合並非牢不可破，部分研磨棒停留在石材邊緣或懸空位置，依賴重量、摩擦力與角度維持平衡。觀者面對的不是穩固的雕塑量體，而是一個似乎可能鬆動、滑落或傾倒的臨界狀態。

粉塵作為時間的痕跡
研磨是一種以減法進行的工作。石材與工具在接觸中逐漸失去自身的一部分，磨削產生的粉末，則成為物質消失後留下的痕跡。為了保留這段製作時間，林冠君選擇在佈展最後階段，直接於金車文藝中心承德館的展場內完成部分作品的研磨。粉塵隨著動作落在石面、台座與周圍空間，不再被視為必須清除的工作殘留，而成為裝置的一部分。粉塵記錄了動作曾經發生，卻無法精確還原每一次施力。它既是時間的累積，也是材質耗損後的剩餘物。展場中的影像則補充了靜態作品未能顯示的製作節奏，使觀者得以看見研磨如何在長時間、低幅度的重複中推進。不同於雕刻經常追求清楚可辨的形體變化，研磨的進展極其細微。一次動作幾乎無法造成可見差異，唯有經過大量重複，材料才逐漸偏離原來的狀態。作品因此不只是完成後的物件，也包含了那段難以被壓縮或跳過的時間。

身體不是工具的附屬
石雕通常被理解為高度依賴體力的勞動。切割、搬運、敲擊與研磨，要求創作者長時間承受震動、噪音與肌肉負荷。出身體育家庭、長期進行重量訓練的林冠君，則從運動經驗重新理解這種勞動。他曾比較健身房訓練與工作現場中的身體感受。兩者都涉及肌肉反覆收縮與負重，但前者通常具有明確的組數、目標與休息區間，後者則可能因製作需求持續進行，直到身體逐漸僵硬、疲勞，甚至失去對動作的敏感。因此，他開始刻意把注意力從作品結果移回身體本身，觀察握持工具的角度、肌肉出力的位置，以及呼吸與動作之間的變化。研磨不再只是必須忍受的製程，而近似於一種極慢速的身體練習。
石材的硬度也會回過頭來決定身體如何運動。較硬的石材要求更集中的施力，較軟的大理石則可能在持續研磨後失去銳利邊線，逐漸形成圓鈍的角度。作品中的每一道切削與磨損，既呈現材料性質，也記錄了創作者如何調整姿勢與力量。身體在此不是操作工具的透明媒介，而是測量石材、回應阻力並累積時間的感知系統。

荒謬之後，勞動如何產生意義
展名中的薛西佛斯，來自希臘神話中不斷將巨石推向山頂、又目睹巨石滾落的受罰者。林冠君以「推石」對應石雕創作中漫長而反覆的勞動，也指向藝術生產在現實條件下所具有的循環性。設備、場地、材料、健康與經濟成本，使石雕成為門檻相對高的創作形式。作品完成之後，創作者仍將面對下一件作品，重新進入切割、搬運與研磨的過程。從這個角度而言，創作並不存在真正抵達山頂的時刻。卡繆在《薛西佛斯的神話》中，並未替薛西佛斯解除懲罰，而是將重點放在他對自身處境的清醒認知。當結果無法被永久保有，行動本身便成為意義可能發生的位置。林冠君並未將石雕勞動浪漫化。噪音、粉塵、疼痛與成本依然存在，重複也未必能自動轉化為崇高經驗。然而，透過對動作的重新觀看，他試圖在不得不反覆進行的工作中，辨認自己仍願意持續的理由。

從台座到重型機具的空間編排
本次展覽規劃約十八件石雕與裝置作品，依照作品尺度及展示方式，形成數個觀看區域。小型台座作品集中呈現工具與石材之間精密的卡合關係；部分作品傾靠或懸掛於牆面，使石材從傳統雕塑量體轉向近似平面構成的視覺狀態；落地作品則透過堆疊、懸吊及重型搬運機具，將製作現場的尺度帶入展場。自然光由承德館的大面窗戶進入，隨時間移動於石材表面，使晶體紋理、磨痕與粉塵呈現不同程度的可見性。光線在此不只是照明，也讓看似穩定的石材持續發生變化。其中，《研磨後平衡 NO.8》可視為藝術家長期關注研磨材料的集中呈現。作品概念最早可追溯至其學生時期，使用後的青棒因磨耗形成不規則輪廓，原本作為耗材的物件，逐漸顯露出近似山形或地景的造形。

多年後，他將這些被切削的綠色研磨材料重新配置於石材上，使其既保留工具的身分，也成為獨立的雕塑單位。它們可以單獨存在，也能相互組合，隨觀看角度形成不同的造形關係，將工具的耗損轉化為作品自身的形式語言。林冠君並不要求觀者必須從作品中獲得艱深的哲學結論。他更希望觀眾暫時放下對石雕「技藝高超」或「造形逼真」的既定想像，轉而注意工具如何耗損、粉塵如何落下，以及一個身體如何在材料阻力中持續運動。《推石—尋找薛西佛斯》所呈現的，不是石雕克服堅硬材質後的勝利，而是一段尚未停止的製作過程。在石材、工具與身體彼此消磨的現場，作品沒有掩蓋勞動，而是讓勞動本身成為觀看的起點。