從街頭招牌開始的設計起點
李君慈首次和「設計」相遇，並非來自什麼遠大的夢想，而是最尋常不過的打工經驗。因為家裡經濟需求，她曾於高中時期進入一家在地小型廣告公司打工，幫忙附近的餐廳與店家輸出布條、張貼路邊看板、製作大圖輸出…等項目。「那不是什麼光鮮亮麗的專案。」她笑著回憶，「但那時候的我，比學校教的還更早學會繪圖軟體，也是初次瞭解，原來設計物是這樣被製造和放到街上的。

她就讀的廣告設計科，在當時仍以繪畫與美術基礎為主，電腦繪圖的操作並不多。反倒是這些實務經驗，讓她更快熟悉了設計語言。「那種感覺很衝擊，因為我只是個高中生，卻突然要負責設計一整張海報或店家招牌。」她說，「就像被推到一個舞台上，還來不及準備，就必須學會對結果負責。」

或許正因如此，成為設計師的歷程並不是源自「立志」的選擇，反而更像時機與環境一步步推往前方的偶然，她坦言：「老實說，我一開始並沒有打算要當設計師，只是一路被推著走，直到某天回頭，才發現自己已經站在這條路上。」

而決定北上發展，是李君慈人生交叉路口中另一場近乎莽撞的冒險。那時的她，既沒有大學文憑，也沒有積蓄，卻必須獨自扛起台北高昂的房租。那段時間，她手上沒有任何能證明實力的正式資歷，只能不斷寄出履歷，卻一次次石沉大海。她笑著自嘲：「那時候常覺得，好像有個神秘的力量在阻止我進公司上班。」

但反而個人接案沒有提過任何履歷的情況卻順利，她靠著許多臨時救火與案子的轉介，才一步步踏上設計接案的軌道，逐漸穩定下來。在這過程中，她累積了作品與人脈，也意外打開了自由接案的大門。她形容那是一段「邊走邊學」的時期，從報價、談案，到執行與交付，每一個細節都要自己承擔。「接案讓我學會，在沒有後盾時，妳就是自己最大的靠山。而這種必須全然承擔的過程，反而讓自己更快成長。」

設計與生活的平衡
許多人初見因為她的時髦打扮和社群形象，變快速為她貼上各種標籤，常以為李君慈「一路順利」，甚至認為她有豐厚的背景與資源」支撐。面對這些想像，她不急於辯解，但在訪談中可以感受到，那些外界對她的想像，已經不是她在意的重點。
「語言有力量，但真正賦予力量的人應該是自己。」身處在社群時代，會害怕批評很正常，但如今她能慢慢練習消化與選擇性吸收，李君慈提到：「不要只吸收過多負面的評價，這過程對於總是第一時間自我攻擊的原始個性來說，是一樣很困難調整的，但這是一個需要學習的事情」。

一路在設計這條路上闖蕩至今，李君慈已經建立起自己的工作室，並與一位好友兼設計師張閔涵長期合作，在平面室共同承接品牌與活動的視覺設計。這樣的雙線並行模式，讓她們能夠以不同角度來回應客戶需求，一方偏重於品牌端的服務與整體規劃；另一方則展現出更強烈的個人風格。這樣的搭配，既保有彈性，也讓她們能在不同專案中自由切換角色，找到最合適的平衡點。

她很清楚自己不適合走「擴張規模、帶領團隊」的路線。比起經營龐大的公司，她更在意自己能否專注在設計上。「我不擅長管理，也不想把心力耗在管理的事物上。」她笑著說自己寧願把時間花在設計裡解題。

談到對設計的喜愛，她分享過一段特別的經驗。那段時間，她的身心狀況並不理想，卻接到一本書籍的版面排版工作。這是一份幾乎沒有創意揮灑空間的案子，內容繁瑣單調，只有一再的排整與修正。然而，在這種重複又瑣碎的過程中，她竟然感受到前所未有的快樂。
「那真的嚇到我。」她回憶道，「原來這麼單純的排版，也能讓我這麼滿足。」那一刻，她深深意識到，自己熱愛的並不只是華麗的舞台或外界眼中的光環，而是設計本身的過程。那份單純、專注、與畫面相處的狀態，才是讓她真正快樂的原因。

「我很確定，如果有一天我不再做設計，可能真的會不快樂。」她坦言，也正因如此，她始終把「設計」視為生命中無法割捨的核心，一份持續驅動她往前的力量。

風格不是口號，從日常到AI的設計語言
當被問及「風格」時，李君慈總是難以下定義。她認為任何人的風格都很難以一句話概括，而是作品中逐漸顯露的慣性，舉凡色彩的習慣、線條的處理、留白與密度的節奏。「別人會告訴我是什麼風格，我通常會接受，因為風格就是妳留下來的選擇痕跡。」

至於靈感，她說：「大部分都來自生活。」
她手機裡有個名為「graph」的相簿，專門拍攝路邊地板、施工線條、垃圾的意外構圖。把它們裁切到只剩下外形與顏色，就像長期的構圖與配色練習，因此，她的靈感是在持續觀察中，最後才變成一種自己的風格。

李君慈在專案中嘗試過以AI生成影像，但她強調：「AI工具不是免責的捷徑，它更像新的畫筆。」她形容真正的門檻並不是「按下去就有」，而是前期的語彙設定、反覆修正，以及「去除AI感」的審美判斷。「AI能不能成為你，決勝點還是在個人觀點和品味。」她也提醒，所有設計工作其實都是一種可能性，如果願意花時間培養美感，就能利用工具完成那些想像。

浪漫與Deadline並存：跨界挑戰
近年來，李君慈最具挑戰性的專案之一，是為音樂人男友設計專輯與演唱會的整體視覺，這段合作除了是情感與工作的交疊，也是一次跨界實驗。當「情人」變成「老闆」，設計師必須同時理解音樂的節奏與視覺的邏輯，將抽象的聲音語言轉化為觀眾能看見、能感受的畫面。


「從人設的建立、專輯封面的氛圍，到舞台語彙的呈現，都必須環環相扣。」這不是單純替歌曲設計封面，而是要理解音樂的整體世界觀，把一段旋律或一句歌詞背後的情緒，找到對應的視覺語言。她舉例，在某場演唱會的舞台設計中，場地結構無法隨意更動，因此她設計了幾何輪廓作為核心符號，並透過燈光與LED影像不斷變化，一會像城市的外牆，一會化為餐廳招牌，一會又成為山的稜線。觀眾在音樂與影像的轉換之間，被帶入不同的敘事情境。

「那已經超出平常會接觸的平面設計領域」她說，「更像是把設計擴張成一個能被聽見、能走進去的環境。」

這樣的專案，也讓她深刻體會到「溝通」的重要性。她形容最難卻也最迷人的地方，在於如何把音樂的節拍、歌詞的情緒，轉換成視覺的節奏與符號，思考如何讓專輯的世界觀，在舞台上被具體看見？這些問題只有在足夠信任的搭檔關係裡，才能開放地嘗試與碰撞。
「那是種很奇特的狀態，因為你面對的不只是工作夥伴，而是最親密的人。他會像客戶一樣提出需求，但同時你又比任何人都更理解他的創作核心。那種既親密又專業的平衡，既難拿捏，也特別珍貴。」

李君慈的設計歷程始終帶著某種「被推著走」的偶然，在一次次被現實考驗、又一次次在限制中找出縫隙的過程裡，逐漸確立了自己的路徑。這種在矛盾之間摸索出的力量，使她的設計語言帶有真實的溫度與韌性。

而今，當她談起與音樂人合作的經驗，我們看到的不只是專輯封面的美學或舞台結構的巧思，更多了一種理解觀眾的感受，這份理解，正如同主講題目「浪漫與deadline並存」。設計的浪漫，在於不斷將抽象轉化為可見與可感的形態；設計的deadline，則提醒她必須在有限的時間與條件中，把想像落實成具體可行的現實。在即將展開的金車文藝講堂裡，李君慈將把這些經驗化為分享，與觀眾一起探討設計如何超越平面，進入音樂、舞台、甚至日常生活的各個角落。

資料提供/李君慈  採訪編輯/鄧乃文