聲音記憶的歸鄉之旅

藝術家三井悠華以細膩的水墨拼貼技法，將記憶與情感層層堆疊，像是在靜謐之中輕聲的呢喃，創造出如詩般的畫面。

在這個數位化、快速變遷的時代，她以緩慢且細膩的方式，將紙張一層層貼合、覆蓋，像是在重建一段遺失的記憶，也像在進行某種安靜的儀式般，召喚著什麼。這次的展覽主題「追尋原風景」，正是從一段偶然的聲音記憶開始。

「有一次，我在台灣聽到鳥的翅膀拍動聲，那聲音讓我突然想到日本的故鄉。」三井悠華靦腆地笑著說，那是一種說不上來的熟悉感。「明明是第一次聽到的聲音，卻好像在哪裡經歷過。」這份突如其來的情緒，成為她創作題材的起點。

對她而言，所謂的「原風景」並非童年的具體場景，而是潛藏於內心，那種熟悉又陌生的記憶感受。因此，她試著將這份感受視覺化，透過羽毛的意象、細膩的筆觸痕跡與精心的空白配置，將這些難以言說的情感慢慢堆疊於紙面之上。

跨越文化與記憶的邊界

三井悠華出生於日本，曾就讀於多摩美術大學日本畫專業，後赴台灣就讀國立台灣藝術大學書畫藝術研究所，並預計於2025年秋天繼續留在台灣攻讀博士。

從東京的多摩美術大學一路走到台北，她的藝術路徑跨越了文化，也跨越了記憶的邊界。初見她的作品時，我感受到一股獨特的寧靜氛圍，這不是全然的寂靜，而是如她自己所描述的「安心與寂寞」共存的一種感受，在細緻而溫和的畫面中，溫柔卻又帶著些許憂傷。

她坦言，初到台灣時，語言上的障礙曾經是很大的挑戰，但在台灣師長與同學的支持下，她逐漸適應並且在藝術創作上找到了新的可能。她也提到：「日本比較缺乏專門學習東方水墨的環境，而台灣卻擁有非常好的師資與資源。」這成為她選擇台灣求學的重要原因之一。

在台灣生活的經歷，為她帶來了新的創作靈感。她特別提到藝術家楊世芝老師的影響，老師以棉紙和水墨拼貼的方式，啟發她更有意識地運用拼貼技法。她形容道：「拼貼的過程就像在與過去的片段對話，每當我一層層地貼紙，畫面逐漸呈現豐富的層次。最底層的紙逐漸被覆蓋，就像某些記憶被深深藏起。」

三井悠華在多年日本畫訓練的基礎上，將日本畫的材料與東方水墨的表現形式結合，並將傳統精神與當代觀念融合並置，創造出獨特的藝術語彙。她偏好使用和紙等溫潤的紙材，除了因為材料本身的觸感，更因為紙張宛如日式和服般層層堆疊的方式，呈現出日式美學的細膩與內斂。

鳥羽詩意，介於完整與殘缺之間

作品中經常出現的羽毛意象，源自她過去在東京飼養的五隻鸚鵡，這些羽毛凝聚了她對與寵物鳥有關的深刻記憶，甚至超越了形式上的美感，轉化為情感與記憶之間的橋樑。

「我使用各種色彩作搭配，因為我養的每一隻鸚鵡顏色都不同，所以牠們的羽毛成為了我記憶中非常深刻的一部分。」因此這些羽毛並非真實鳥羽的描繪，而是情感的容器，在畫面中飄浮、包覆、懸停，如一首沒有歌詞的搖籃曲。

展覽主視覺作品〈鳥的搖籃曲〉便是對這種感覺最完整的呈現，這件作品不追求一個完整的敘述，而是想讓觀者透過羽毛、拼貼與色彩的交錯畫面，鋪成到一種既柔和又輕盈的「被包覆感」。她在色彩的處理上也格外謹慎，「溫暖的色彩，讓人安心；但只要暗一點，情緒就會變得有點寂寞。」刻意保留的空白，如同一封沒有寫滿的信，在沈默中流露著情感。而這份既安穩又帶點疏離的情緒，也構成了她作品最獨特的心理張力，一種看似平靜，卻潛藏起伏的內在風景。

在留白與未完成之間，打開想像之門

在三井悠華的作品，常會見到日本美學特徵，比如精妙的留白畫面。她刻意保留觀看的空間，期望觀眾能夠與自己的內心「原風景」產生共鳴，喚醒那些模糊又熟悉的記憶。

曾有觀眾意外地回饋：「這看起來像一條龍」或「彷彿聽得到鳥叫聲」這些非預期的觀看反饋，反而成為她持續創作的動力，讓她意識到自己作品蘊藏著更多可能性。

構圖中形體不完整的翅膀或腳爪特徵，她則解釋道：「因為面部的存在感太強，會限制觀者的想像。相對地，若是取不完整的局部，則會顯得畫面更具流動性與呼吸感。」她以〈黑色的蝴蝶〉系列為例，畫面中融入月亮與太陽等元素，描繪出類似蝴蝶翅膀對稱的抽象意象。「這種曖昧感我很喜歡。」她微笑著說。

屬於每個人的原風景

透過她細緻而耐心的敘述，理解她為什麼選擇來到台灣求學。她認為與台灣藝術家的創作相比，日本藝術家注重細緻的情感與造型美，而台灣藝術家則更加自由奔放，樂於將個人記憶與土地經驗融入作品中。而她的作品，恰好在這兩種特質之間找到了一個微妙的平衡點。

最後，她像大家發出一個簡單卻動人的邀請：「希望觀眾在看作品時，稍稍停下腳步，重新傾聽自己內心微弱而真實的聲音，找尋屬於自己的原風景。」

資料提供／三井悠華　　採訪編輯／鄧乃文