一錘一鑿間的造就　 木材質描繪的內心風景

木工教室塵土飛揚，在機具轟轟作響的混亂空間旁，有一處異境緊連著。是分類擺置好的金屬工具，製作中的片片板材和木塊。臨著大自然的工作室是翁頌詠進行創作的地方，是他與木材質相互激盪、發揮的場所。

握得住的創作

從大學開始進入台北藝術大學就讀的翁頌詠，一路晉級碩班至如今的藝術家身分。創作初期創作初期在學院體制中，在不同的媒材間嘗試。「我不太會畫畫」——埋下了與雕塑的緣分。

小小年紀隻身來到了臺灣，那是一段尷尬莽撞的過去。對於藝術並不是很了解，只知道做了個抉擇，然後選擇回應了他。對所有事情都是生疏、不穩定的時期，藝術學院無非是一個徬徨的混合體。在繪畫底子不夠硬的狀態之下，創作變得綁手綁腳。然而對於線條、材質非常靈敏的翁頌詠來說，空間的立體掌握在空間的描繪之上。雕塑的造型，連結出直覺性的感官經驗。回到學院裡頭的教育，一次又一次的轉變與恩師們的回饋，情感連結了形象，而形象也變成故事的鏈結。

雕塑的形式，在於空間的描繪上是直觀的。像是在立體畫布似的，拖移出時空一比一的真實，而不是壓縮再壓縮的消失點。問他為何忠於木材質的刻畫，在思考後他提出了「存在」。藝術家自身留存在明確的刀法之，在物質的存續上，累積出來的成果是漫長的殘影堆疊。雕木的行為，是一種與木材的對話。以刀代筆，這是翁頌詠握住的創作語彙。

與家鄉的距離

臺灣與馬來西亞並無存在著極大差異，但對於藝術環境的生態，翁頌詠認為臺灣對於創作者而言，是非常好的地方。在成長階段，讀的、看的、聽的，都是臺灣輸出的娛樂產業與書籍文學。那是一個相對之下更為豐富的體驗。

國家之間的文化差異，在翁頌詠身上並不是特別的衝擊，也不是特別的突兀。對於自己使用的材質，是否有種家鄉情懷，藝術家保持著開放的態度。他說他在創作之上，還有很多沒有處理完的情感連結。仰賴著直覺進行，身邊環境的重要性固然存在。然而精細地剝開那些時光的碎片，翁頌詠認為這還需要時間去昇華。

無拘束的風景

在作品的發展上，從人體的描繪到了環境的紀錄。兩者存在著剖析的共同符碼。觀察力是翁頌詠很真實的創作材料。從大學時期的人體，在樹幹裡他找出了人體的形象，並保留了樹木的語彙。輕盈地將自然清新的符碼與人這個形體進入相互對應，是藝術家所說的親密狀態。

與親密狀態無法分割的，便是日常的累加。在風景系列裡，從日常的隨拍，記錄在台灣的時光。在吉光片羽中，留下剎那的永恆。浮雕介於平面與立體的刻畫之間。從相片的平面記實，轉譯到木頭的平面刻畫上，有點儀式性，卻平凡的隨筆記事。

未來，翁頌詠沒有決斷的設定自己該走的方向，下一件作品，更不是時程表上的待辦事項。然而能在他的作品之中，感受一股日復一日的疊加，以及年復一年的穩健。就像他說的「存在」。木頭的刻畫，可能不只是藝術家自身的證明，也給予了觀者步步踏回「日常」的一條真正祕徑吧。

 

文/實習志工張郁絜